12.01.2023
IT'S RAINING ART, HALLELUJAH!
Notes on the online gallery and its possible contribution to the democratisation of the art scene
What is an online gallery? (and what is not)
In order to find one's way through the confusion of the digital art scene, one should first understand what an online gallery is in the first place - and in what respects it differs from the traditional gallery (in the technical jargon: brick&mortar gallery). For it is not, as is often assumed, an offline gallery in digital form, but in some respects operates according to different laws than those of the classical gallery scene.
A b&m gallery that operates its own website is therefore not yet an online gallery. Its website is only one information forum among others. And an association of classical galleries like artnet or artsy, which enables its members to advertise and sell their artists' works digitally, is not an online gallery either. Here, too, the analogue rules of the game apply, while the digital presence only expands the radius of communication.
The online gallery differs from the traditional gallery primarily in that it has no "material" domicile. Of course, the company has to be registered somewhere, but it only exists digitally. In practice, this means no rental costs for exhibition space and storage, no expensive trade fair stands, no elaborate vernissages. The running costs are thus lower than those of a normal gallery, which is reflected in the much lower sales commission of the online gallery. Both artists and collectors benefit from this.
Since the online gallery does not have a real exhibition space, its customers buy the artworks without having seen them physically. This is less risky than it might seem at first glance. The photographic presentation is usually very extensive and of high quality. Some online galleries also offer the service of a virtual insertion of the artwork into the home of the potential collector. For digital artworks and NFT's, the on-screen presentation is crucial anyway. And as a last resort, many online galleries offer a return policy if the painting does not meet the buyer's expectations.
Nevertheless, this indirect presentation influences buying behaviour in the sense that the overwhelming share of artworks sold online is in a lower price segment (< € 10'00). Rarely art buyers risk spending a higher amount for a work they have not seen «in the flesh». (However, this reluctance no longer plays if the collector already owns a work by the same artist).
Another essential difference is the number of artists under contract to the gallery. In primary sales, the classical gallery represents a limited number of about thirty to at most a hundred hand-picked artists who are contractually bound to the gallery. In contrast, even a small online gallery presents at least a thousand artists, while the large portals can exhibit tens of thousands of artists. This means that the choice for the collector is disproportionately much larger than at a b&m gallery.
The online gallery also differs significantly from the regionally based brick&mortar gallery in its geographical reach. Although art fairs have established themselves worldwide, they remain the preserve of a small elite that can afford the exorbitant stand prices and expensive art transport. The online gallery, on the other hand, reaches its audience worldwide without any special financial outlay and thus offers the collector a global selection of art, and the artist a worldwide forum for his work.
In summary, compared to the traditional gallery, the online gallery is more accessible to the collector, offers an incomparably much larger and more international selection, and is on average much less expensive than the prevailing art market prices. Many online gallery owners therefore claim that they are committed to the democratisation of art by enabling a very large number of artists to make their works available to the public, while at the same time reducing threshold anxiety among buyers and reaching a wider clientele than would be possible for a traditional gallery.
What types of online galleries are there?
Basically, one must distinguish between two types of online galleries: the curated online gallery, which functions according to the classic principle of the middleman (gallery owner), and the "direct" online gallery, which places the emphasis on personal contact between artist and collector, whereby the gallery actually only functions as an advertising portal - i.e. a kind of linked-in for artists.
With the curated online gallery, the artist can open an account free of charge and design his or her own artist page according to the technical and aesthetic specifications of the gallery. The copyright of the exhibited works remains with the artist. Sales and shipping of the artworks are handled by the gallery. For each sale, the artist pays the gallery a commission, usually around 30-40%. The payment is made to a blocked account of the gallery, so that the artist is not paid until the collector has received the purchased work in good condition.
The direct online gallery, on the other hand, charges the artists exhibiting on its website a modest "rental fee" for the use of the portal. In return, the operator waives a sales commission. The proceeds of the sold artwork remain 100% with the artist. However, the artist has to take care of all sales modalities and the shipping of the artwork.
Both forms have their advantages and disadvantages, and there are now also a number of hybrid approaches. Both artists and collectors should therefore inform themselves as precisely as possible in advance and also be clear about their own needs before deciding on one of the variants.
How do you judge the quality of an online gallery?
For the curated online gallery, the question can be answered in the classical sense: a conventional gallery is as good as its galerist - and an online gallery is as good as its curators. If you just want "something nice for over the sofa", you don't need advice. But if you are looking for artworks that will help shape the design and atmosphere of your home, express and/or enhance your attitude to life, touch and stimulate you emotionally and intellectually, and broaden your horizon, then your first step is to go to the "about us" page and there to the curators. The better the curators' training and the greater their experience, the better the advice they will give to collectors on the one hand and artists on the other. Don't be put off by empty chatter about "our international curatorial team" or "our art director" etc.. These exist only in the imagination of the provider. A professional curator is paid for his/her work, takes responsibility for it and of course wants to reap the deserved recognition. That is why serious online galleries introduce both in-house and guest curators personally: with name, photo and exact professional qualifications. You can safely forget everything else.
The curators are responsible for pre-selecting and classifying the artworks to be sold through the gallery. Even with online galleries, which are in principle open to all artists, there is vigorous pre-sorting behind the scenes. In view of the flood of dilletant, demagogic and pornographic products with which the galleries are overrun, this is inevitable. Works with pornographic content, for example, must not be freely accessible to children - strict categorisation is therefore unavoidable for legal reasons alone.
Client counselling is another important task of the curators. Given the large number of artworks on display, it takes a lot of experience and intuition to bring together the right artists and collectors. Even though most online galleries today have halfway functional filters, the potential art collector is sometimes overwhelmed by the abundance of material. A pre-selection adapted to their personal wishes can be very helpful.
With the direct online gallery, of course, this advice is omitted, and this form is therefore more suitable for experienced collectors who do not need advice, or adventurous spirits who want to make their own experiences and can cope with a possible mistake. The bonus is direct contact with the artist and possibly a lower price due to the omission of the gallery commission.
However, this last advantage can be cancelled out again by the very high shipping costs that can be incurred for individual transport. While the large online galleries have their own shipping departments, which in their position as major customers can massively depress shipping prices, the individual artist of course does not have this option. Since transport is generally paid for by the art buyer, he or she would do well to find out in advance whether the shipping costs are included in the purchase price or whether there are still considerable additional costs to be expected.
The question of transport also arises for the artist. For photographers, draughtsmen, graphic artists, miniature painters or digital artists who ship small-format and lightweight works, it makes perfect sense to rely on direct sales via a corresponding online gallery. There will be no shipping problems for them, and the shipping costs are quite acceptable in relation to the selling price of the artworks.
Not so for sculptors and painters of large-scale works, who have to deal with staggering transport costs and opaque packaging, insurance and customs regulations. This is especially true for transatlantic shipments. For internationally active artists with heavyweight, delicate or bulky works, it can therefore be both financially and nervously advantageous to arrange transport via the gallery.
Further criteria for the assessment of an online gallery are the presentation of the website and the technical functionality of the portal. This applies equally to the curated gallery as to the direct form. A turgid presentation with black background, frames or mourning borders around the photos, veils over the banners and other superfluous bells and whistles should prompt caution at first glance. The artistic quality of the works offered for sale could be appropriate.
Gross technical deficiencies are also a red flag. If images cannot be loaded or deleted properly, filters and internal search engines do not work and texts can only be read in dadaistic translation, you should expect payment transactions and dispatch to be just as chaotic. Try it out and compare - this can save you a lot of trouble later on
Legal aspects and the black cyber sheep
Major scandals, as known from the traditional art scene, are not (yet) known in the digital field. This may be partly because the legal situation in the world wide web is still rather chaotic and dubious practices tend to be tolerated or not even noticed there.
In any case, the collector will do well to protect himself as comprehensively as possible. A Certificate of Authenticity (COA) signed by the artist is therefore an essential part of the art purchase. In addition to the date of sale, the artist's name and signature, it should also contain the title and year of origin of the work of art, the technique used, the dimensions and a photograph of the work. With the advent of the NFT (non fungible token) and blockchain security, the collector has another instrument at his disposal with which the provenance of the work of art can be proven in a forgery-proof manner.
Although the layman may mostly fear difficulties in payment transactions, most online galleries are reasonably organised in this sector in particular. Personally, I have never had any financial problems in fifteen years of working with a whole series of online galleries. Payments are processed correctly and verifiably via blocked accounts. Foreign exchange rates correspond to the bank norm. The amount of the brokerage fee is almost always correct at around 35%. I know of only one online gallery that charges its artists an exorbitant commission of 50%. Some colleagues report dishonesty in the payment, mostly with the goods sales tax being fiddled with. For their part, the galleries complain that some artists try to circumvent the gallery commission by contacting clients directly and suggesting a cheaper deal. Disputes with the insurance company happen when a work of art is damaged in transit. But this kind of friction is the bread and butter of any gallery business and only partly typical of the online system.
This also applies to general ethics and transparency, which are already conspicuously absent in the analogue art market. No improvement is to be expected in the digital sector in the short term. As long as the financial audit for sponsorships is not introduced, the art scene, analogue as well as digital, will continue to be financed to a large extent with toxic money, and the growing interest in cryptocurrencies is likely to make the situation even more opaque. But this is a general problem of the libertarian financial market and not specific to the online gallery.
In contrast, the aforementioned pretence of false facts in the curatorial field is almost a standard annoyance in the online art scene. If the operator of a platform makes it clear that he assumes no curatorial responsibility whatsoever, but on the contrary gives collectors and artists full negotiating leeway, that is absolutely legitimate. But if an online gallery explicitly claims that it only sells curated, i.e. professionally approved art, although it is run by a team with an exclusively technical or commercial background that does not have the professional competence to curate anything at all, then that is rather questionable.
The artistic quality suffers accordingly. What is propagated by these galleries is mostly supermarket art, i.e. the serial production of the same popular subject, which is produced by the artist in great quantity and speed. Popular subjects are, for example, maritime scenes, pretty girls or sugary abstracts.
Pictures «in the style of» also belong in this category. Bestsellers are second-hand Picassos, or works à la Lichtenstein (comic figures blown up to large format), Opalka (nicely coloured numbers or letters), and Hockney (swimming pools). Of course, this practice is legal. They are not forgeries or copies, and the artists correctly sign their own names. Nevertheless, it should be clear to the buyer that this imitation art will never increase in value because it lacks the most important criterion for artistic quality: originality.
Probably the most common «trivial» offence of online galleries is the manipulation of search engines in the battle for digital visibility. In the early days of the internet, this still had a humorous component, because the algorithms were mainly programmed for sexually tinged terms. I don't know how many times my morally strictly inoffensive abstract works were tagged with words like «sexy» or «Viagra». In the meantime, the methods have become less crude, but not necessarily more harmless. For example, an online gallery had been posing for months as my «official» gallery that would sell my works «exclusively» - which was a brazen lie. As a result, potential buyers who typed my name into google were directed straight to this gallery, which got me into trouble with my other galleries and agencies, who – and rightly so - considered this unfair competition.
The same gallery also ran an aesthetic equalisation programme in which the photos of its artists were reworked by a «designer» who, for example, copied all the shadows out of photos of sculpture. One can imagine the result. Such violations of copyright often occur. It is not necessarily bad will, but mostly incompetence. The emergence of NFTs will intensify the dispute over copyright until the situation is regulated by law.
Finally, a few words about the so-called "vanity gallery". This is not an online gallery, but since this kind of company recruits exclusively (and very aggressively) online, I would like to mention it briefly here. Vanity gallery is a gallery that does not earn its money by selling art, but by having artists pay them for «services» (for example exhibitions, art fairs, newsletters to art collectors, etc.). The artist often has to pay upfront fees of a thousand euros or more, pay for transport for exhibitions himself, and often the gallery also charges a commission. All this without any guarantee of a sale or any other advantage for the unfortunate artist. A great deal for the gallery - but certainly not for the artist!
The future of the online gallery in the global art scene and its possible role in the democratisation process
At a time when democracy is under attack from many sides, we have more reason than ever to think about the importance of culture for our democratic world order. But this also means that we must finally begin to denounce and fight the corruption of democratic processes within our own ranks.
Anyone who wants to talk about the future and the necessity of democratising the art scene must therefore first think about the role of sphagistics in art history. As the inclined reader will know, sphagistics (from the Greek "sphage", slaughter) is the imaginary science of losers, founded by the equally imaginary Dr. Korbinian Irlböck, who in turn owes his existence to the (to my knowledge quite real) writer Carl Amery. The guiding principle of sphagistics is that history is written by the winners and that it would read differently if the losers also had their say. Nowhere is this truer than in art history.
Compared to general historiography, the importance of sphagistics in art is disproportionately high. Until deep into the twentieth century, 50% of all artists fell victim to it from the outset - namely all women. We will never know how many masterpieces have been lost to humanity because of the institutional macho maxim that women should limit their creativity to childbearing. The women artists are dead and the works destroyed - if they were ever created at all in view of the hopeless situation.
But even male colleagues are not immune to sphagistics. If it had been up to the ruling cultural popes, the works of Vincent van Gogh, for example, would hardly have survived. The line of losers is endless, and we only know the tip of the iceberg, namely the artists who were posthumously rediscovered. All the others have been swallowed up for good by the black hole of sphagistics.
That has not changed much in our days. That the state of the art in our capitalist system, which is sliding inexorably into implosion, is taking on correspondingly decadent features, is not exactly groundbreaking news. The dependence of the art market on toxic money, the elitist marketing of art as a status symbol for well-off educated citizens on the one hand and education-resistant oligarchs on the other, obscene auction prices for artistically worthless junk, highly subsidised (and lucrative) blockbuster events à la Disneyland, the supremacy of the big mainstream galleries and patrons and the resulting financial emergency of independent artists are only a few aspects of this unpleasant development.
For an artist who is not willing to submit to the prevailing art market, the chance of ending up as a «loser» is above average. The quality of his work hardly plays a role. On the contrary: the more expressive, original, independent and visionary the artist, the greater the danger of his work being marginalised by the art establishment.
The lack of competence and integrity of art officials is largely responsible for the aggressive rejection of contemporary art by a large section of the population. It is based on centuries of corruption, racism, sexism, nepotism and abuse of power by the ruling functionaries - at the expense of artists, culture and society. In our latitudes, only churches and banks can come up with a comparable criminal history. The call for a fair, democratic approach to art and artists is therefore more than justified - and long overdue.
There is broad agreement on the important points of what such a democratic cultural scene should look like. It should geopolitically guarantee more justice for artists and culture, give up its elitist ghetto, be made accessible to a larger audience and specifically integrated into everyday civic life, offer the artist more independence from conservative cultural institutions and a solid basic income, and be disconnected from toxic sponsors and money laundering. So much for the theory.
Opinions differ on how this should be implemented in practice. Many pilot projects are already in circulation. The Documenta 15, curated by the collective ruangrupa, certainly caused the greatest stir, as it failed, absurdly enough, because of racist prejudices - exactly the same, well-known behavioural pattern that Kassel actually wanted to denounce.
Attempts to "popularise" art or turn it into a tourist attraction - Bosch as an animated film, Van Gogh as a kaleidoscope, pleasing Son-et-Lumière performances and similar antics - are likely to serve the cause only to a limited extent. It is true that this brings large crowds to the museums in the short term, but they are just as quickly gone again as soon as things get a bit more sophisticated. The lowest common denominator is never a good starting point - and certainly not in art.
That digital art as such will make the scene better is probably also wishful thinking. What is currently being sold in NFTs is dilletant photoshop tinkering and has at best a financial speculative value, not to mention the kitschy AI art. But of course, the great artists of the metaverse are already among us, and at the moment probably in the process of demolishing their first computer. With the advancement of the 3D printer, it will soon be possible to "print" a physical exhibition in Australia with a file created in Europe, without the need for expensive and environmentally damaging transport. This will also give blockchain security its real meaning. But whatever the future of digital art holds for us, it does not change the fundamental tension between producer (artist), distributor (museums, galleries) and consumer (museum visitors and collectors).
It is within this framework, then, that the phenomenon of the online gallery and its possible future should be seen. Indeed, it fulfils many democratic demands: It offers access to the art market to a very large number of artists of all nationalities and is at the same time directly accessible to a global audience. In terms of price, it is (still) far below the traditional market. Above all, it focuses on openness - for all nationalities, ideologies and gender orientations. The direct form of the online gallery goes one step further and wants to bypass our ailing cultural system by dispensing with middlemen and curators altogether and relying on the subjectivity of art.
However, it is questionable whether the art business can manage without experts. The radical decline in artistic quality in the online business is already a real problem today, and the argument that the quality of a work of art is simply a matter of opinion and cannot be objectively assessed is in itself a sign of ignorance. In no field is the already dubious calendar saying «quality always prevails» less true than in the art trade. What always prevails is pornography, kitsch and shallow decoration. Sophisticated, unwieldy, substantial art needs the backing of experts so that interested but uncertain laypeople can reliably inform themselves - as they would reasonably do in any other field. Democratic art means: art for all, and not: junk for all. We should stick to that.
Nevertheless, in my eyes, the direct online gallery is the most promising variant of art mediation for the future, because it is the only one that fundamentally questions the power structures of the current art scene. If it manages to ally itself with a new generation of experts who do not want to parasitically enrich themselves or make a name for themselves at the expense of the artists, but rather put their knowledge at the service of culture and society, then we could finally begin to talk seriously about democratic art/
Even if the future belongs to the online gallery, we will not want to do without the physical presentation of art. It can therefore be assumed that hybrid forms of art trade will develop in the medium term, in which case one can only optimistically hope that the best of both worlds will prevail. Even if it is often forgotten: Art and culture are not speculative commodities for the super-rich, but an organic component of our democratic society. It is high time that it is finally perceived as such.
© VAS Juliet Vles
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ES REGNET KUNST, HALLELUJAH!
Anmerkungen zur online-Galerie und deren möglichen Beitrag zur Demokratisierung der Kunstszene
Was ist eine online-Galerie? (und was ist keine)
Um sich in der Unübersichtlichkeit der digitalen Kunstszene zurecht zu finden, sollte man zunächst verstehen, was eine online-Galerie überhaupt ist – und in welcher Hinsicht sie sich von der traditionellen Galerie (im Fachjargon: brick&mortar gallery) unterscheidet. Denn sie ist nicht, wie oft angenommen wird, eine offline-Galerie in digitaler Form, sondern agiert in mancher Hinsicht nach anderen Gesetzen als die der klassischen Galerienszene.
Eine b&m Galerie, die eine eigene website betreibt, ist deshalb noch keine online-Galerie. Ihre website ist nur ein Informationsforum unter anderen. Und eine Vereinigung klassischer Galerien wie artnet oder artsy, die ihren Mitgliedern ermöglicht, die Werke ihrer Künstler digital zu bewerben und zu verkaufen, ist auch keine online-Galerie. Auch hier gelten die analogen Spielregeln, während die digitale Präsenz nur den Kommunikationsradius erweitert.
Die online-Galerie unterscheidet sich von der traditionellen Galerie in erster Linie dadurch, dass sie keinen «materiellen» Wohnsitz hat. Natürlich muss die Firma irgendwo gemeldet sein, aber existieren tut sie nur digital. Das heisst in der Praxis: keine Mietkosten für Ausstellungsraum und Lager, keine teuren Messe-Stände, keine aufwendigen Vernissagen. Die laufenden Unkosten liegen damit unter denen der normalen Galerie, was sich in der wesentlich niedrigeren Verkaufskommission der meisten online-Galeristen niederschlägt. Davon profitieren sowohl Künstler wie Sammler.
Da die online-Galerie nicht über einen reellen Ausstellungsraum verfügt, kaufen ihre Kunden die Kunstwerke, ohne sie physisch gesehen zu haben. Das ist weniger riskant, als es auf den ersten Blick erscheinen mag. Die photographische Präsentation ist meistens sehr umfangreich und qualitativ hochstehend. Einige online-Galerien bieten auch den Service einer virtuellen Insertion des Kunstwerkes in die Wohnung des potentiellen Sammlers. Für digitale Kunstwerke und NFT’s ist die Bildschirmpräsentation ohnehin ausschlaggebend. Und als letztes Ressort bieten viele online-Galerien eine Rückgaberecht, wenn das Bild nicht den Erwartungen des Käufers entspricht.
Trotzdem beeinflusst diese indirekte Präsentation das Kaufverhalten in dem Sinne, dass der überwältigende Anteil der online verkauften Kunstwerke in einem niedrigeren Preissegment (< € 10’00) angesiedelt ist. Die wenigstens Kunstkäufer riskieren, einen höheren Betrag auszugeben für ein Werk, das sie nicht in natura gesehen haben. (Diese Zurückhaltung spielt allerdings nicht mehr, wenn der Sammler bereits ein Werk vom gleichen Künstler besitzt.)
Ein weiterer essentieller Unterschied liegt in der Anzahl der Kunstschaffenden, die bei der Galerie unter Vertrag sind. Die klassische Galerie vertritt im Primärverkauf eine beschränkte Anzahl von etwa dreissig bis höchstens hundert handverlesenen Künstlern, die der Galerie vertraglich verpflichtet sind. Dagegen präsentiert auch eine kleine online-Galerie mindestens tausend Künstler, während die grossen Portale Zehntausende Kunstschaffende ausstellen können. Das heisst, dass die Auswahl für den Sammler unverhältnismässig viel grösser ist als bei einer b&m Galerie.
Auch in ihrer geographischen Austrahlung unterscheidet sich die online-Galerie wesentlich von ener regional stationierten brick&mortar Galerie. Zwar haben sich die Kunstmessen weltweit etabliert, aber sie bleiben einer kleinen Elite vorbehalten, die sich die exorbitanten Standpreise und teuren Kunsttransporte leisten kann. Die online-Galerie dagegen erreicht ihr Publikum weltweit ohne speziellen finanziellen Aufwand und bietet somit dem Sammler eine globale Auswahl an Kunst, und dem Künstler ein weltumspannendes Forum für seine Arbeit.
Zusammenfassend kann man sagen, dass die online Galerie im Vergleich zur traditionellen Galerie für den Sammler leichter zugänglich ist, eine unvergleich viel grössere und internationalere Auswahl bietet und im Schnitt unter den gängigen Kunstmarktpreisen liegt. Viele online-Galeristen machen deshalb geltend, dass sie sich für die Demokratisierung der Kunst engagieren, indem sie es einer sehr grossen Anzahl von Künstlern ermöglichen, ihre Werke der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, gleichzeitig die Schwellenangst beim Käufer abbauen und einen weiteren Kundenkreis erreichen, als es einer traditionellen Galerie möglich wäre.
Welche Arten von online-Galerien gibt es?
Grundsätzlich muss man zwei Arten von online Galerien unterscheiden: die kuratierte online-Galerie, die nach dem klassischen Prinzip des Zwischenhändlers (Galeristen) funktioniert, und die «direkte» online-Galerie, die den persönlichen Kontakt zwischen Künstler und Sammler in den Vordergrund stellt, wobei die Galerie eigentlich nur als Werbeportal fungiert - also eine Art linked-in für Künstler.
Bei der kuratierten online-Galerie kann der Künstler gratis ein account eröffnen und seine eigene Künstlerseite nach den technischen und ästhetischen Vorgaben der Galerie gestalten. Das Urheberrecht der ausgestellten Werke bleibt beim Künstler. Verkauf und Versand der Kunstwerke werden über die Galerie abgewickelt. Bei jedem Verkauf zahlt der Künstler der Galerie eine Kommission, die üblicherweise bei 30-40% liegt. Die Zahlung wird auf ein Sperrkonto der Galerie geleistet, so dass der Künstler erst dann ausgezahlt wird, wenn der Sammler das gekaufte Werk in gutem Zustand erhalten hat.
Die direkte online Galerie dagegen verlangt von den auf ihrer website ausgestellten Künstlern eine bescheidene «Mietgebühr» für die Nutzung des Portals. Dafür verzichtet der Betreiber auf eine Verkaufskommission. Der Ertrag des verkauften Kunstwerks bleibt zu 100% beim Künstler. Dieser muss sich jedoch selbst um alle Verkaufsmodalitäten und den Versand des Kunstwerkes kümmern.
Beide Formen haben ihre Vor-und Nachteile, und inzwischen gibt es auch eine Anzahl hybrider Ansätze. Sowohl Künstler wie Sammler sollten sich deshalb im Vorfeld möglichst genau informieren und sich auch über die eigenen Bedürfnisse im klaren sein, bevor sie sich für eine der Varianten entscheiden.
Wie beurteilt man die Qualität einer online-Galerie?
Für die kuratierte online-Galerie kann die Frage im klassisschen Sinne beantwortet werden: eine konventionelle Galerie ist so gut wie ihr Galerist – und eine online-Galerie ist so gut wie ihre Kuratoren. Wenn Sie nur «was Nettes für übers Sofa» wollen, brauchen Sie keine Beratung. Aber wenn Sie Kunstwerke suchen, die die Gestaltung und Atmosphäre Ihrer Wohnung mitprägen, Ihr Lebensgefühl ausdrücken und/oder verbessern, Sie emotionell und intellektuell berühren und anregen und Ihren Horizont erweitern sollen, dann führt Ihr erster Weg bei der online-Galerie zur Seite «über uns» («about» oder «about us») und dort zu den Kuratoren. Je besser die Ausbildung der Kuratoren und je grösser ihre Erfahrung, desto besser wird die Beratung der Sammler einerseits und der Künstler anderseits sein. Lassen Sie sich nicht von leerem Geschwätz über «unser internationales Kuratorenteam» oder «unseren Artdirector» etc. beirren. Die existieren nur in der Fantasie des Providers. Ein professioneller Kurator wird für seine/ihre Arbeit bezahlt, übernimmt die Verantwortung dafür und möchte natürlich auch die verdiente Anerkennung ernten. Bei seriösen online-Galerien werden deshalb sowohl hauseigene- wie Gastkuratoren persönlich vorgestellt: mit Namen, Photo und genauer fachlicher Qualifikation. Alles andere können Sie getrost vergessen.
Die Kuratoren sind verantwortlich für die Vorauswahl und Klassifizierung der Kunstwerke, die über die Galerie verkauft werden sollen. Auch bei online-Galerien, die im Prinzip allen Künstlern offenstehen, wird hinter den Kulissen kräftig vorsortiert. In Anbetracht der Flut dilletantischer, demagogischer und pornographischer Erzeugnisse, mit denen die Galerien überzogen werden, ist das auch dringend nötig. Werke mit pornographischem Gehalt etwa dürfen Kindern nicht frei zugänglich sein – eine strenge Kategorisierung ist deshalb schon aus legalen Gründen unvermeidlich.
Kundenberatung ist eine weitere wichtige Aufgabe der Kuratoren. Angesichts der grossen Anzahl der ausgestellten Kunstwerken braucht es viel Erfahrung und Fingerspitzengefühl, um die richtigen Künstler und Sammler zusammenzubringen. Auch wenn die meisten online- Galerien heute über halbwegs funktionsfähige Filter verfügen, ist der potentielle Kunstsammler mit der Fülle des Materials manchmal überfordert. Eine seinen persönlichen Wünschen angepasste Vorauswahl kann da sehr hilfreich sein.
Bei der direkten online-Galerie fällt diese Beratung natürlich weg, und diese Form ist deshalb eher geeignet für erfahrene Sammler, die keinen Rat brauchen, oder abenteuerliche Geister, die ihre eigenen Erfahrungen machen wollen und einen eventuellen Fehlkauf verkraften können. Der Bonus ist der direkte Kontakt zum Künstler und eventuell ein günstigerer Preis durch das Wegfallen der Galerie-Kommission.
Dieser letzte Vorteil kann allerdings wieder zunichte gemacht werden durch die sehr hohen Versandkosten, die beim individuellen Transport anfallen können. Während die grossen online-Galerien über eigene Versandabteilungen verfügen, die in ihrer Position als Grosskunden die Speditionspreise massiv drücken können, hat der einzelne Künstler diese Möglichkeit natürlich nicht. Da der Transport im allgemeinen vom Kunstkäufer bezahlt wird, tut dieser gut daran, sich vorher genau zu informieren, ob die Versandkosten im Kaufpreis inbegriffen oder ob da noch erhebliche Zusatzkosten zu erwarten sind.
Die Transportfrage stellt sich auch für den Künstler. Für Fotografen, Zeichner, Grafiker, Miniaturen-Maler oder digitale Künstler, die kleinformatige und leichtgewichtige Werke verschicken, macht es durchaus Sinn, auf den direkten Verkauf über eine entsprechende online-Galerie zu setzen. Versandprobleme wird es für sie nicht geben, und die Speditionskosten sind im Verhältnis zum Verkaufspreis der Kunstwerke durchaus akzeptabel.
Nicht so für Bildhauer und Maler grossformatiger Werke, die sich mit schwindelerregenden Transportkosten und undurchsichtigen Verpackungs-, Versicherungs- und Zollvorschriften herumschlagen müssen. Das gilt vor allem für transatlantische Transporte. Für international agierende Künstler mit schwergewichtigen, empfindlichen oder sperrigen Werken kann es deshalb sowohl finanziell wie auch nervlich von Vorteil sein, den Transport über die Galerie abzuwickeln.
Weitere Kriterien für die Beurteilung einer online-Galerie sind die Präsentation der website und die technische Funktionalität des Portals. Dies gilt in gleichem Masse für die kuratierte Galerie wie für die direkte Form. Eine geschmäcklerische Präsentation mit schwarzem background, Rähmchen oder Trauerränder um die Photos, Schleier über die Banner und sonstigem überflüssigeù Schnickschnack sollte schon auf den ersten Blick zur Vorsicht mahnen. Die künstlerische Qualität der zum Verkauf gebotenen Werke könnte entsprechend sein.
Grobe technische Mängel sind ebenfalls ein Alarmzeichen. Wenn Bilder nicht vernünftig aufgeladen oder gelöscht werden können, Filter und interne Suchmaschinen nicht funktionieren und Texte nur in dadaistischer Übersetzung zu lesen sind, sollten Sie damit rechnen, dass Zahlungsverkehr und Versand ebenso chaotisch ablaufen. Probieren Sie aus und vergleichen Sie – das kann Ihnen nachher viel Ärger ersparen
Legale Aspekte und die schwarzen cyber-Schafe
Grosse Skandale, wie man sie aus der traditionellen Kunstszene kennt, sind im Digitalbereich (noch) nicht bekannt. Das mag teilweise daran liegen, dass die legale Situation im world wide web nach wie vor ziemlich chaotisch ist und zweifelhafte Praktiken dort eher toleriert oder gar nicht erst bemerkt werden.
Auf jeden Fall tut der Sammler gut daran, sich möglichst umfassend abzusichern. Ein vom Künstler unterzeichnetes Zertifikat (Certificate of Authenticity, COA) ist deshalb ein wesentlicher Bestandteil des Kunstkaufes. Neben dem Verkaufsdatum, dem Namen des Künstlers und dessen Unterschrift sollte es auch den Titel und das Entstehungsjahr des Kunstwerkes enthalten, dazu die verwendete Technik, die Abmessungen sowie ein Photo des Werks. Mit dem Aufkommen der NFT (non fungible token) und der Blockchain Sicherung steht dem Sammler ein weiteres Instrument zur Verfügung, mit welchem die Provenienz des Kunstwerkes fälschungssicher nachgewiesen werden kann.
Obwohl der Laie wahrscheinlich in erster Linie Schwierigkeiten im Zahlungsverkehr befürchtet, sind die meisten online-Galerien gerade auf diesem Sektor vernünftig organisiert. Persönlich hatte ich in fünfzehnjähriger Zusammenarbeit mit einer ganzen Reihe von online-Galerien nie finanzielle Probleme. Zahlungen werden korrekt und nachprüfbar über Sperrkonti abgewickelt. Devisenkurse entsprechen der Bankennorm. Die Höhe der Vermittlungsgebühr liegt fast überall korrekt um 35%. Mir ist nur eine einzige online-Galerie bekannt, die ihren Künstler eine überrissene Kommission von 50% berechnet. Einige Kollegen melden Unredlichkeiten in der Auszahlung, wobei meistens mit der Warenumsatzsteuer gemauschelt wird. Die Galerien ihrerseits beklagen sich darüber, dass einige Künstler versuchen, die Galerie-Kommission zu umgehen, indem sie die Kunden direkt kontaktieren und ihnen einen billigeren Deal vorschlagen. Streitereien mit der Versicherung kommen vor, wenn ein Kunstwerk auf dem Transport beschädigt wurde. Aber diese Art von Reibereien sind das täglich Brot eines jeden Galeriebetriebs und nur bedingt typisch für das online System.
Das gilt auch für allgemeine Ethik und Transparenz, die bereits im analogen Kunstmarkt durch Abwesenheit glänzen. Da dürfte auch im Digitalbereich kurzfristig keine Verbesserung zu erwarten sein. Solange der Finanz-Tüv für Sponsorengelder nicht eingeführt ist, wird die Kunstszene, analog wie digital, weiterhin zu einem grossen Teil mit toxischem Geld finanziert werden, und das steigende Interesse an den Krypto Währungen dürfte die Situation noch undurchsichtiger machen. Das ist aber ein allgemeines Problem des libertären Finanzmarkts und nicht spezifisch für die online-Galerie.
Dagegen ist die bereits erwähnte Vorspiegelung falscher Tatsachen im kuratorischen Bereich schon fast ein Standardärgernis in der online Kunstszene. Wenn der Betreiber einer Plattform klarstellt, dass er keinerlei kuratorische Verantwortung übernimmt, sondern im Gegenteil Sammler und Künstler vollen Verhandlugsspielraum lässt, so ist das absolut legitim. Aber wenn eine online-Galerie explizit behauptet, sie würde nur kuratierte, das heisst fachlich abgesegnete Kunst verkaufen, obwohl sie von einem Team mit ausschliesslich technischem oder kaufmännischem Hintergrund betrieben wird, das gar nicht die professionelle Kompetenz hat, irgendetwas zu kuratieren, dann ist das schon eher fragwürdig.
Die kunstlerische Qualität ist dann auch danach. Was von diesen Galerien propagiert wird, ist meistens reine Kaufhauskunst. Darunter versteht man die Reihenproduktion eines immer gleichen, populären Sujets, das vom Künstler in grosser Quantität und Geschwindigkeit angefertigt wird. Beliebt sind zum Beispiel maritime Szenen, hübsche Mädchen oder süsslich Abstraktes.
Bilder «im Stile von» gehören auch in dieser Kategorie. Bestseller sind second-hand Picassos, oder Werke à la Lichtenstein (auf Grossformat aufgeblasene Comicfiguren), Opalka (hübsch kolorierte Ziffern oder Buchstaben), und Hockney (swimmingpools).
Wohlverstanden: diese Praxis ist legal. Es handelt sich nicht um Fälschungen oder Kopien, und die Künstler signieren korrekt mit dem eigenen Namen. Gleichwohl sollte dem Käufer klar sein, dass diese Nachahmer-Kunst niemals eine Wertsteigerung erfahren wird, da ihr das wichtigste Kriterium für künstlerische Qualität abgeht: die Orginalität.
Das wohl häufigste «Kavaliersdelikt» der online-Galerien ist die Manipulation der Suchmaschinen in der Schlacht um digitale Sichtbarkeit. In den Urzeiten des Internets hatte das noch eine humoristische Komponente, weil die Algorithmen hauptsächlich auf sexuell gefärbte Begriffe programmiert waren. Ich weiss nicht wie oft meine sittlich völlig unbedenklichen abstrakten Werke mit tags wie «sexy» oder «Viagra» versehen wurden. Inzwischen sind die Methoden weniger plump, aber nicht unbedingt harmloser. So hatte sich etwa eine online-Galerie monatelang als meine «offizielle» Galerie ausgegeben, die meine Werke «exklusiv» verkaufen würde – was eine faustdicke Lüge war. Als Resultat wurden potentielle Käufer, die meinen Namen bei google eingaben, direkt zu dieser Galerie geleitet, was meine anderen Galerien und Agenturen – zurecht – als unlauteren Wettbewerb betrachteten und was mir viel Ärger eingetragen hat.
Die gleiche Galerie betrieb auch ein ästhetisches Gleichschaltungsprogramm, in dem die Photos ihrer Künstler von einem «Designer» überarbeitet wurden, der zum Beispiel aus Photos von Skulpturen alle Schatten herauskopierte. Das Ergebnis kann man sich vorstellen. Solche Verletzungen des Urheberrechts kommen öfters vor. Das ist nicht unbedingt böser Wille, sondern meistens Inkompetenz. Das Aufkommen der NFT’s wird die Auseinandersetzung um das copyright noch verschärfen, bis die Lage gesetzlich geregelt ist.
Zum Abschluss noch ein paar Worte zur sogenannten «vanity gallery». Das ist zwar keine online-Galerie, aber da diese Art von Unternehmen ausschliesslich (und sehr aggressiv) online rekrutiert, möchte ich sie hier doch kurz erwähnen. Unter vanity gallery versteht man eine Galerie, die ihr Geld nicht durch den Verkauf von Kunst verdient, sondern die Künstler für «Dienstleistungen» (zum Beispiel Ausstellungen, Kunstmessen, newsletters an Kunstsammler etc.) bezahlen lässt. Der Künstler muss dabei oft Vorauszahlungen von tausend Euro aufwärts leisten, den Transport für Ausstellungen selbst bezahlen, und oft verrechnet die Galerie auch noch eine Kommission. Das alles ohne jede Garantie eines Verkaufs oder irgend eines anderen Vorteils für den bedauernswerten Künstler. Ein prima Geschäft für die Galerie – aber ganz sicher nicht für den Künstler!
Die Zukunft der online-Galerie in der globalen Kunstszene und ihre mögliche Rolle im Demokratisierungs Prozess
In einer Zeit, in der die Demokratie von vielen Seiten unter Beschuss steht, haben wir mehr denn je Grund, uns über die Bedeutung der Kultur für unsere demokratische Weltordnung Gedanken zu machen. Dazu gehört aber auch, dass wir endlich anfangen, die Korruption und Unterwanderung demokratischer Prozesse in den eigenen Reihen anzuprangern und zu bekämpfen.
Wer über die Zukunft und die Notwendigkeit einer Demokratisierung der Kunstszene reden will, muss sich deshalb zunächst über die Rolle der Sphagistik in der Kunstgeschichte Gedanken machen. Wie der geneigte Leser natürlich weiss, ist die Sphagistik (von griechisch «sphage», die Schlachtung) die imaginäre Wissenschaft der Verlierer, begründet vom ebenfalls imaginären Dr. Korbinian Irlböck, der seine Existenz wiederum dem (meines Wissens durchaus reellen) Schriftsteller Carl Amery verdankt. Der Leitsatz der Sphagistik ist, dass die Geschichte von den Gewinnern geschrieben wird und dass sie anders lauten würde, wenn auch die Verlierer zu Wort gekommen wären. Nirgends ist das wahrer als in der Kunstgeschichte.
Im Vergleich zur allgemeinen Geschichtsschreibung ist die Bedeutung der Sphagistik in der Kunst unverhältnismässig hoch. Bis tief ins zwanzigste Jahrhundert hinein fielen ihr 50% aller Künstler von vorneherein zum Opfer – nämlich alle Frauen. Wieviele Meisterwerke der Menschheit verloren gegangen sind auf Grund der institutionellen Machomaxime, dass Frauen ihre Kreativität gefälligst aufs Kinderkriegen beschränken sollten, werden wir nie wissen. Die Künstlerinnen sind tot und die Werke vernichtet - wenn sie denn in Anbetracht der hoffnungslosen Lage überhaupt je geschaffen wurden.
Aber auch die männlichen Kollegen sind vor der Sphagistik nicht gefeit. Wenn es nach dem Willen der herrschenden Kulturpäpste gegangen wäre, wären uns etwa die Werke eines Vincent van Gogh wohl kaum erhalten geblieben. Die Reihe der Verlierer ist endlos, und wir kennen nur die Spitze des Eisbergs, nämlich die Künstler, die posthum wiederentdeckt wurden. Alle anderen sind endgültig vom schwarzen Loch der Sphagistik verschluckt.
Das hat sich in unseren Tagen nicht wesentlich geändert. Dass «the state of the art» in unserem unaufhaltsam in die Implosion abrutschenden kapitalistischen System entsprechend dekadente Züge annimmt, ist nicht gerade eine bahnbrechende Erkenntnis. Die Abhängigkeit des Kunstmarkts von toxischem Geld, die elitäre Vermarktung von Kunst als Statussymbol für gutsituierte Bildungsbürger einerseits und bildungsresistente Oligarchen andrerseits, obszöne Auktionspreise für künstlerisch wertlosen Ramsch, hochsubventionierte (und einträgliche) Blockbuster Veranstaltungen à la Disneyland, die Übermacht der grossen mainstream Galerien und Mäzene und der daraus resultierende finanzielle Notstand unabhängiger Künstler sind nur ein paar Aspekte dieser unerfreulichen Entwicklung.
Unter diesen Umständen ist für einen Künstler, der nicht bereit ist, sich dem herrschenden Kunstmarkt zu unterwerfen, die Chance überdurchschnittlich hoch, als «Verlierer» zu enden. Die Qualität seiner Arbeit spielt dabei kaum eine Rolle. Vielleicht ist sogar das Gegenteil der Fall: je ausdrucksstarker, origineller, eigenständiger und visionärer der Künstler, desto grösser die Gefahr der Marginalisierung seines Werkes durch das Kunstestablishment.
Die mangelnde Kompetenz und Integrität der Kunstfunktionäre ist weitgehend verantwortlich für die aggressive Ablehnung der zeitgenössischen Kunst durch einen grossen Teil der Bevölkerung. Sie basiert auf Jahrhunderte von Korruption, Rassismus, Sexismus, Vetternwirtschaft und Machtmissbrauch der herrschenden Funktionäre - auf Kosten der Künstler, der Kultur und der Gesellschaft. Mit einer vergleichbaren Kriminalgeschichte können in unseren Breitengraden sonst nur Kirchen und Banken aufwarten. Der Ruf nach einem fairen, demokratischen Umgang mit Kunst und Künstlern ist deshalb mehr als berechtigt - und längst überfällig.
Wie eine solche demokratische Kulturszene auszusehen hätte, darüber herrscht in den wichtigen Punkten weitgehend Einigkeit. Sie sollte geopolitisch mehr Gerechtigkeit für Künstler und Kultur garantieren, ihr elitäres Ghetto aufgeben, einem grösseren Publikum zugänglich gemacht und gezielt im bürgerlichen Alltag eingebunden werden, dem Künstler mehr Unabhängigkeit von konservativen Kultur-Institutionen und ein solides Grundeinkommen bieten und von toxischen Sponsoren Gelder und Geldwäscherei abgekoppelt werden. Soweit die Theorie.
Wie diese praktisch umgesetzt werden soll, darüber gehen die Meinungen auseinander. Viele Pilot-Projekte sind bereits im Umlauf. Am meisten Aufsehen erregt hat dabei sicher die vom Kollektiv ruangrupa kuratierte Documenta 15, die ausgerechnet und absurderweise an rassistischen Vorurteilen gescheitert ist – genau die gleichen, altbekannten Verhaltensmuster, mit denen man in Kassel eigentlich aufräumen wollte.
Der Versuch, Kunst zu «popularisieren» oder zur Touristenattraktion zu machen – Bosch als Trickfilm, Van Gogh als Kaleidoskop, gefällige Son-et-Lumière Vorstellungen und ähnliche Mätzchen – dürften der Sache auch nur bedingt dienlich sein. Zwar bringt man so kurzfristig grosse Menschenmengen in die Museen, aber die sind genau so schnell wieder weg, sobald es etwas anspruchsvoller wird. Der kleinste gemeinsame Nenner ist niemals ein guter Ausgangspunkt – auch nicht in der Kunst.
Das digitale Kunst als solche die Szene besser machen wird, dürfte auch eher Wunschdenken sein. Was aktuell an NFT’s verkauft wird ist dilletantisches Photoshop Gebastel und hat bestenfalls einen finanziellen Spekulationswert, von der kitschigen AI-Kunst gar nicht zu reden. Zwar sind die grossen Künstler des metaverse mit Sicherheit schon unter uns und im Moment wahrscheinlich gerade daran, ihren ersten Computer zu demolieren. Mit der Weiterentwicklung des 3D-Druckers wird es bald möglich sein, mit einer in Europa erstellten Datei eine physische Ausstellung in Australien zu «drucken», ohne dass teure und umweltbelastende Transporte nötig werden. Damit wird auch die Blockchain Sicherung seinen wirklichen Sinn erhalten. Aber was auch immer die Zukunft der digitalen Kunst für uns bereit hält, es ändert nichts an der grundsätzlichen Spannung zwischen Produzent (Künstler), Verteiler (Museen, Galerien) und Konsument (Museumsbesucher und Sammler).
In diesem Rahmen also sollte das Phänomen online-Galerie und ihre mögliche Zukunft gesehen werden. In der Tat erfüllt sie viele demokratische Forderungen: Sie bietet einer sehr grossen Anzahl von Künstlern jedwelcher Nationalität Zugang zum Kunstmarkt und ist gleichzeitig einem globalen Publikum direkt zugänglich. Preislich liegt sie (noch) weit unter dem traditionellen Markt. Sie setzt vor allem auf Offenheit - für alle Nationalitäten, Ideologien und Gender Ausrichtungen. Die direkte Form der online-Galerie geht noch einen Schritt weiter und möchte unser marodes Kultursystem umgehen, indem sie auf Zwischenhändler und Kuratoren ganz verzichtet und auf die Subjektivität der Kunst setzt.
Ob der Kunstbetrieb ohne Fachleute auskommt, ist allerdings fraglich. Der radikale Abfall der künstlerischen Qualität im online Betrieb ist bereits heute ein echtes Problem, und das Argument, dass die Qualität eines Kunstwerks eben «Ansichtssache» und «objektiv nicht bewertbar» sei, ist an sich schon ein Zeichen von Unwissenheit. Auf keinem Gebiet ist der ohnehin zweifelhafte Kalenderspruch «Qualität setzt sich immer durch» weniger wahr als im Kunsthandel. Was sich immer durchsetzt, sind Pornographie, Kitsch und seichte Dekoration. Anspruchsvolle, sperrige, substantielle Kunst braucht die Rückendeckung von Fachleuten, damit sich interessierte aber unsichere Laien zuverlässig informieren können – wie sie es auf jedem anderen Gebiet vernünftigerweise auch tun würden. Demokratische Kunst heisst: Kunst für alle, und nicht: Ramsch für alle. Daran sollten wir uns halten.
Trotzdem ist in meinen Augen die direkte online Galerie die zukunftsträchtigste Variante der Kunstvermittlung, weil sie die einzige ist, die die Machtstrukturen der aktuellen Kunstszene grundsätzlich in Frage stellt. Wenn sie es schafft, sich mit einer neue Generation von Sachverständigen zu verbünden, die sich nicht parasitär auf Kosten der Künstler bereichern oder profilieren, sondern ihr Wissen in den Dienst der Kultur und der Gesellschaft stellen will, dann könnten wir endlich ernsthaft anfangen, über demokratische Kunst zu reden/
Auch wenn die Zukunft der online-Galerie gehört, werden wir auf die physische Präsentation von Kunst nicht verzichten wollen. Es ist deshalb anzunehmen, dass sich mittelfristig hybride Formen des Kunsthandels entwickeln werden, wobei man nur optimistisch hoffen kann, dass sich in diesem Fall the best of both worlds durchsetzen wird. Auch wenn es gerne vergessen wird: Kunst und Kultur sind keine Spekulationsware für Superreiche, sondern ein organischer Bestandteil unserer demokratischen Gesellschaft. Es ist höchste Zeit, dass sie endlich als solcher wahrgenommen wird.
© VAS Juliet Vles
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